Gino De Dominicis (1969-96)

Gino de Dominicis fue un artista italiano muy controversial nacido en Ancona en 1947. Comenzó a exponer sus obras en galerías desde los 17 años. Participó en diversas ocaciones en la Bienal de Venecia hasta que en 1995 rechazó por completo la invitación. La búsqueda artística de De Dominicis puede ser dividida en dos periodos, a finales de los años sesenta y años setenta están las obras "invisibles", y en los años ochentas hasta su muerte son obras más figurativas y pictóricas.

También tiene obras de vídeoarte como "Tentativo de formar cuadrados en lugar de círculos entorno a una piedra que cae en el agua" y "Tentativo de vuelo". Un ejemplo de sus "obras invisibles" es "El Cubo, El Cilindro y la Pirámide" mostrados sólo por sus perímetros trazados en el piso.

A continuación presentamos algunas de sus frases y obras que invitan a la reflexión y a la crítica, siempre un poco irónica e incluso cínica del arte en general, los medios de exposición y las opiniones que el arte genera.

-Es el público quien se expone al arte y no viceversa.

-Hoy se cree que los espacios destinados a las artes visuales tienen el poder de cumplir el milagro de transmutar en obra de arte cualquier cosa que sea expuesta.

-Es equivocado poner bajo la reproducción fotográfica de una obra de arte el nombre del artista. Es el

nombre del fotógrafo que realizó la foto el nombre que debería estar.

-Yo, en el arte, he realizado dibujos, pinturas, “esculturas” (obras tridimensionales), obras invisibles, obras ubicuas, arquitectura, y en algunas ocasiones “oxímorones físicos” y obras “homeopáticas”.

-No estoy muy interesado en el arte moderna ni en la antigua. Prefiero aquél prediluviano.

-Mis obras a menudo se han rehusado a participar en grandes exposiciones.

-La fotografía no crea. Reproduce o interpreta lo existente.

-Un pintor es como un mago que con sus juegos debe lograr sorprenderse a si mismo. Y es en esto donde está la complejidad.

-Los desfiles de moda tendrían seguramente aún mayor éxito si no hubiera vestimentas.

-Más que utilizar, para exposiciones colectivas o de tema, obras de artistas, a menudo además de artistas no vivos, para ilustración y comodidad de la propia temática, los “críticos deberían buscar de convencer un editor de publicar un libro sobre la problemática propia.

-El mito de la historia lleva a creer que cualquier hecho o expresión artística, por el solo motivo de haber sido producida, será interesante,memorable y coleccionable.

Imán cósmico

-Raros son los artistas no condicionados por las regiones a las que a sabiendas o no, pertenecen. Su modo de expresarse en el arte lo revela.

-Al rededor de dos mil años atrás se decidió que la mujer era un ser inferior respecto al hombre y que el artista visual es una figura superflua, reducible. Son algunas de las innumerables tonterías que han sido dictaminadas.

-Así como el dibujo y la pintura, mi “escultura” no está condicionada a la fuerza de gravedad.

-La ciudad de Roma fue fundada, mucho antes de Rómulo y Remo, por los sumerios.

-Quien cree que puede realizar las obras propias “desarrollando” la “búsqueda” de otros artistas, confunde el arte con la ciencia.

-Acelerarse a querer historizar “en directa” el arte contemporáneo y colocarla inmediatamente en los museos, nace del miedo del juicio del futuro.

El tiempo, el error, el espacio.

-En el mundo existen y han siempre existido sólo obras bidimensionales o tridimensionales; y algunas obras invisibles de Gino de Dominicis.

-El arte se refiere al genio y a su espacio es el de la verticalidad: no se mueve horizontalmente de derecha a izquierda, o viceversa, sino que se desplaza, inmóvil de lo alto hacia lo alto.

-Los artistas que hacen “instalaciones” han simplemente tomado el lugar de los obreros.

-Historias efímeras del arte contemporáneo con estilo Bíblico cuentan: Rauschenberg generó a Burri que generó...”

-El término “arte conceptual”, de origen estadounidense, en Italia gusta mucho quizá porque recuerda nombres de persona muy difusos como Concepto, Concesión, Concetino, etc... y viene usado muy seguido estúpidamente para etiquetar todo lo que en arte no es inmediatamente reconocible.

-En América o de regreso en Europa, han tomado al pie de la letra la “posición” de Duchamp pensando que era un modelo para imitar y que su modo de hacer arte era alternativo y moderno. En realidad era solo el modo de Marcel Duchamp.

-No se debe jamás intercambiar los artistas por modelos, y aún menos un modelo o una modelo, por un artista.

-La falta de una ley sobre los derechos de autor para las artes visuales hace posible copiar sosteniendo que se trataba de una “cita”.

-Paralelamente a la Bienal de Venecia se debería establecer una “Bienal de los Creativos” (en Milán, por ejemplo), donde sin embargo, rigurosamente no debe haber invitados escultores o pintores. En este caso sería también justificable confiar la muestra a un organizador un poco “creativo”. En esta Bienal se podrían entregar premios. Por ejemplo: el “Gran Premio Andy Warhol” para el mejor “fotógrafo creativo”, y otros para la mejor performance o el mejor video, por la mejor instalación, para el mejor estilista, etc. Y así todos estarcontentos, particularmente los ausentes (pintores y “escultores”)

Segunda solución de inmortalidad

-El único nomadismo verificable en mis obras es que algunas veces son transportadas fuera de Roma para una exposición.

-El dibujo, la pintura, la “escultura”, materiales, inmóviles y mudos, son ontológicamente opuestos a todos los otros lenguajes artísticos.

-El ‘68 entre otras cosas, nos ha regalado: primero los “galeristas creativos”, después los “críticos creativos” y más recientemente los “directores de museos creativos”, se esperan “coleccionistas creativos”, “directores de zoológico creativos”, “cirujanos creativos”, “jefes de estación creativos”, etc, etc...

-En una época de homología y de un ansia comunicativa planetaria, desmaterializada y abstracta, se sustraen solamente las “antiefímeras artes mayores.

-Esta época no ama el arte visual y se identifica con los lenguajes que pasan en el tiempo y el espacio: escritura, música, cine, televisión, etc. Y muchísimos son aquellos que continúan a ocuparse de las artes visuales solo con la intención de desnaturalizar su fundamento y volverlas homogéneas a estos lenguajes del porvenir, para ellos más agradable.

-La entorpecida moda del “allanamiento”, de la interdisciplina y de la multimedia ha vuelto posible la participación en las grandes exposiciones de arte, en vestimenta de artsitas, a músicos, directores, poetas, periodistas, fotógrafos, bailarines, ecologistas, actores, críticos, galeristas, sociólogos, comediantes, performers, filósofos, etc, etc.

-Quien no crea obras de arte con el dibujo y la pintura, no lo hace por decisión propia, simplemente es porque no es capaz de hacerlo.

-La “contaminación” entre los lenguajes ha sido siempre en una sola dirección: los distintos lenguajes “artísticos” han siempre apuntado o copiado de las artes mayores y jamás viceversa.

-Jamás ha existido un “mundo del arte”, solo obras de arte en el mundo.

-Una obra, una vez terminada, no debe sorprender ni remandar más energías de las que fueran empeñadas en realizarla. La obra de este modo es “antientrópica” y contradice “el segundo principio de la termodinámica”. Se reapropia así del problema de la muerte y la inmortalidad del cuerpo, sin delegarlo a la ciencia y los científicos, lo cual sería peligroso.

Zodiaco

-El pintor, para vivir, puede necesitar vender sus propias obras.

-El público, más que suscribirse a Internet o llenar las cajas de catálogos o de libros, haría mejor en suscribirse a líneas aéreas y ferroviarias e ir a ver las obras de arte en vivo.

-Los “videoartistas” deberían ser seleccionados e invitados, si son interesantes, en una sección de la Bienal del cine.

-Cada artista es un gran dibujante, un gran pintor o “escultor” y tiene una marca particular en el pie derecho.

-El público, entre la obra de artista y el artista prefiere la “historia del arte” y “los artistas”

-No es un caso aislado el de mi comerciante. Innumerables son hoy los obreros de los más variados lenguajes y oficios que atienden con impaciencia el triunfo definitivo de la multimedia sobre el arte, para que así también ellos sean artistas, hacer exposiciones, viajar en Internet e intercambiar las experiencias propias con millones de otros “artistas”.

-Cada lenguaje tiene origen en una instancia. La inmortalidad física y la instancia de las artes mayores es el propio paradigma en la obra maestra.

-Yo soy seguramente más antiguo que un artista egipcio.

-Hoy después de tantos “derrocamientos”, se perpetúa también en el arte una percepción del tiempo invertida, el arte y los artistas contemporáneos de hecho se consideran y son considerados modernos, mientras que viniendo después de todo lo que nos precede, deberían saber que son más antiguos.

-La obra de arte, objeto viviente perfecto, puede influir en el proceso biológico.

-El dibujo, la pintura, la “escultura”, no son formas de expresión tradicionales sino originarias. Por lo tanto lo son también del futuro.

Muerte